'Imágenes en papel' à la Galerie Miguel Marcos

La Galerie Miguel Marcos présente le collectif Imágenes en Papel jusqu'au 5 avril. Cette exposition est un hommage à ce médium de créativité, avec l'exposition des œuvres de cinq artistes contemporains : Alberto Barcia, Antón Lamazares, Víctor Mira, José Morea et Kristinn Nicolai.

Le papier, souvent sous-estimé, est ici élevé au rang de plateforme d’expression exceptionnelle, offrant une diversité d’approches et de styles au sein du paysage de l’art contemporain. Des couleurs passionnantes de Lamazares aux compositions abstraites de Morea, en passant par la peinture provocante de Nicolai, jusqu'au travail intrinsèque de Mira et la précision de Barcia, chaque œuvre reflète la compétence technique et la vision créative unique de son auteur.

Cette exposition nous invite à explorer les possibilités infinies de ce médium apparemment simple, où texture, couleur et forme constituent un engrenage qui permet la création de récits visuels captivants. En même temps, cela témoigne également de sa polyvalence et de sa capacité à transmettre des émotions profondes et complexes.

Cinq artistes contemporains

Le premier artiste que nous pouvons apprécier est Alberto Barcia (Tossa de Mar, Gérone, 1982), qui est un artiste formé dans le domaine de l'illustration par la Llotja, où il a eu le privilège d'être guidé par Luis Casado Cadarso, l'un des créateurs du projet interdisciplinaire La Xina Art (Barcelone), et Xavier Canals, poète visuel et historien de renom dans sa spécialité, auteur du volume Poesia visual catalana (1999).

Le travail présenté par Barcia se présente comme une porte ouverte au plaisir imaginatif. Son intention première est de provoquer l'imagination du spectateur. En ce sens, ses œuvres ne cherchent pas à se fixer sur des significations spécifiques ou limitées, mais visent à stimuler la capacité d'observation du spectateur qui les contemple, provoquant ainsi un espace d'interaction où se manifeste la véritable richesse de son art.

Le deuxième artiste de l'exposition est Antón Lamazares (Maceira, Lalin, Pontevedra, 1954), membre du groupe Atlántica, un mouvement qui cherchait à projeter l'art galicien au niveau international, il s'est imposé comme une figure marquante des années quatre-vingt. Dans l'œuvre d'Antón Lamazares, une scène suggestive est présentée qui invite à la contemplation, à travers l'utilisation d'un langage symbolique : une tache jaune en arrière-plan, avec des tons verts, noirs et rouges, évoque la présence d'un être vivant, tandis qu'une tache brune le cercle représente une créature en forme de fourmi. En bas, une figure rouge aux yeux noirs ajoute un autre élément énigmatique. Tout un contexte qui nous amène à réfléchir sur la relation entre nature et fantaisie, remettant en question notre perception de la réalité.

De son côté, le travail de Víctor Mira (Larache, Maroc, ancienne colonie espagnole, 1949 - Breitburnn am Amersee, Munich, 2003) a été salué par la critique internationale pour sa capacité à fusionner l'informalisme avec des éléments figuratifs et pour sa réinterprétation du style traditionnel. des genres comme la nature morte. De Mira est exposé dans cette exposition The Collector, qui représente une exploration profonde de la dualité humaine et des complexités des relations interpersonnelles ; À travers la figure de deux êtres. L'œuvre suggère l'existence de forces opposées chez l'être humain : le bien et le mal, l'amour et son absence. La main tendue du personnage blanc symbolise la recherche de connexion et le désir de donner de l'amour, tandis que le trou en forme de cœur dans la poitrine du personnage noir représente un manque d'empathie ou une incapacité à aimer. Dans son ensemble, la pièce invite à réfléchir sur la complexité de la condition humaine et les luttes internes auxquelles nous sommes confrontés dans nos relations et dans la recherche de l'amour et d'une véritable connexion.

Le quatrième artiste est José Morea (Chiva, Valence, 1951 - 2020), figure marquante de la scène artistique valencienne et pionnier du renouveau du langage pictural au cours du dernier tiers du siècle dernier. Connu pour son style nomade et son approche innovante, Morea a défié les conventions et recherché la liberté dans sa vie et dans son art. Influencée par la tradition valencienne de la bande dessinée et de l'illustration aux lignes claires, sa peinture se distingue par son énergie et sa vitalité, reflet de sa passion pour la peinture. L'œuvre que nous présentons présente une scène intrigante qui invite à la réflexion sur la vie et la nature de l'être humain. Le fond dans les tons marron clair et bleu turquoise évoque un sentiment de calme et de sérénité, tandis qu'au centre de la composition émerge une main levée qui suggère une expression de vitalité et d'énergie. Juste en dessous de cet être, une couche de teintes bleues symbolise la mer, évoquant le lien entre l'être humain et le vaste et insondable océan de l'existence. Une réflexion sur la dualité entre réalité terrestre et mystère.

Enfin, on pourra également apprécier le travail de Kristinn Nicolai (Reykjavik, Islande, 1964), artiste qui s'est fait connaître grâce à sa première exposition à Paris au début des années 80, intitulée Hommage à Mishima. Sa production se caractérise par une approche profondément érotique, comme un défi aux normes sociales et aux tabous liés à la sexualité.

L'œuvre exposée par Kristinn Nicolai propose une exploration de l'intimité. À travers cette représentation explicite, il invite le spectateur à réfléchir sur la nature du désir humain et les complexités de l'intimité physique. Bien que cela puisse ressembler à une œuvre au thème grotesque, Nicolai la fait référence à un sentiment de sensualité, de désir et de liberté.

L'exposition sera ouverte au public jusqu'au 5 avril 2024, du lundi au vendredi de 11h00 à 19h30. La galerie est fermée le week-end.