La Fundació Catalunya La Pedrera présente la première rétrospective à Barcelone d'Antonio López

La Fondation Catalunya La Pedrera a présenté la première exposition rétrospective à Barcelone du peintre et sculpteur réaliste Antonio López (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). Avec une sélection rigoureuse d'environ quatre-vingts œuvres de peinture, sculpture et dessin provenant de différentes collections publiques et privées, la monographie permet de retracer un voyage à travers la trajectoire artistique. L'exposition passe en revue sept décennies de travail, depuis les premières pièces de sa jeunesse, des années cinquante jusqu'à la production la plus récente. Intérieurs domestiques, paysages, vues urbaines de Madrid, natures mortes ou figures humaines sont les principaux axes thématiques. L'exposition peut être visitée du 22 septembre au 14 janvier 2024.

La rétrospective du plus grand représentant du mouvement réaliste espagnol de la seconde moitié du XXe siècle montre comment les motifs qui intéressent l'artiste évoluent tout au long de sa carrière. Il existe également une diversité de pièces encore en préparation.

Les détails, les recoins, l'immobilité, le silence ou l'austérité sont quelques-uns des protagonistes des œuvres qui expriment l'intimité de l'environnement domestique et les valeurs humaines universelles. Par la lumière et la maîtrise de l'espace, López invite le visiteur dans un univers où les objets s'éternisent au plus haut degré de beauté.

Dans Antonio López, vous pouvez voir comment, dans les années cinquante, l'artiste a exploré différents langages plastiques à la recherche du sien et comment il utilise des éléments symboliques et surréalistes pour renforcer la composante narrative de ses œuvres, mais en travaillant toujours à partir de la figuration.

Dans les années soixante, il peint son premier paysage madrilène (1960) et prend conscience que son parcours est une réalité « sans artifice ». Depuis le milieu des années 1960, il peint et sculpte ce qui l'intéresse sans faire appel à aucune ressource stylistique, de sorte que son regard est « le seul filtre et la maîtrise technique est son instrument ».

A la fin de la décennie, utilisant cette nouvelle approche, il dessine et peint directement les espaces intimes de sa maison et de son atelier, et consacre « une attention particulière à la lumière et aux effets qu'elle génère sur les objets ». De là, López obtient une reconnaissance internationale.

Dans l'exposition, vous pourrez également voir comment la ville de Madrid occupe une place privilégiée dans l'œuvre. À partir des années 80, l’artiste s’intéresse au thème végétal. Enfin, à partir du XXIème siècle, il misera sur la femme et la figure humaine, avec un intérêt particulier pour le nu.

Lors d'une conférence de presse, Antonio López a reconnu que rencontrer les œuvres est toujours quelque chose qu'il "craint" car au bout d'un moment, elles pourraient "ne pas vous aimer" et cela "le coulerait". López a applaudi le travail réalisé dans l'exposition car il permet de voir des "zones profondes" de son travail qui sont "révélatrices" et lui ont appris "beaucoup de choses sur son propre travail".

Il a donné l'exemple de quelques personnages installés au début du parcours qui le représentent, lui, ses filles et d'autres personnages qui l'ont inspiré.

López a passé en revue les influences artistiques qui l'ont marqué comme l'art contemporain, la Grèce, le monde réel ou le subconscient. Concernant le surréalisme, le peintre a dit qu'il le comprenait parce qu'il « vivait la vie ».

"C'est quelque chose qui n'appartient pas au monde objectif, c'est au-dessus et au-dessous. La peinture du XXe siècle donne son nom à un aspect qui existait déjà dans l'art ancien. Nous lui avons donné le nom de surréalisme mais cela existait déjà dans l'art pour la partie spirituelle", a-t-il noté.

Il a également reconnu que dans sa jeunesse, il avait eu des difficultés à comprendre l'art espagnol. "C'était un énorme effort. Cela me semble l'art le plus difficile à comprendre de tous", a-t-il souligné.

"Nous l'aimons parce que c'est le nôtre, mais c'est un art extrêmement anti-rhétorique et dépouillé. C'est dénué de tout, il faut en savoir beaucoup", a-t-il souligné. "J'allais au Prado chaque semaine et je n'avais pas de questions ni de réponses qui m'étaient utiles à ce moment-là", a-t-il expliqué.